Fotos del agua, mucho más que H2O

 

 

Ya hace un par de años que supe de esto, hoy me encontré de nuevo con este articulo...Maravilloso el poder de las emociones

 

LA ESTRUCTURA DEL AGUA CAMBIA CON EL SONIDO, LAS EMOCIONES Y LOS PENSAMIENTOS.

Ya sabemos la enorme importancia que tiene el agua en la salud y cómo se puede activar, cromatizar, energetizar, dinamizar, magnetizar, ionizar, polarizar, oxigenar, ozonizar, solarizar, sonorizar, etc. Pues bien, en esta ocasión les hablamos de las investigaciones del doctor Masaru Emoto cuyas conclusiones están avaladas por microfotografías electrónicas que demuestran que una simple frase, emoción o pensamiento puede cambiar la estructura del agua. Un revolucionario descubrimiento con interesantes aplicaciones terapéuticas.

Sabíamos que el agua es fundamental para la existencia de la vida en la Tierra, que de ella depende nuestra salud y que, tratada de diferentes modos, puede curarnos de múltiples dolencias. También se nos había explicado que el agua tiene una especie de "memoria" donde almacena la información que le reportan los campos magnéticos generados por las sustancias -plantas, flores, etc.- con las que entra en contacto. Pues bien, gracias a Masaru Emoto hemos dado ahora un paso más en el conocimiento del elemento que compone el 70% de nuestro cuerpo y de nuestro planeta. Y es que este investigador japonés afirma que ¡la voz, los pensamientos y las emociones humanas pueden alterar su estructura molecular! Y para demostrarlo aporta más de 10.000 fotografías efectuadas a lo largo de numerosos años de investigación, algunas de las cuales pueden contemplarse en los dos volúmenes de su libro Mensajes del agua. LOS MENSAJES DEL AGUA Todo comenzó cuando en 1994 Emoto tomó unas muestras de agua de una fuente de agua pura situada en su país, congeló unas pocas gotas, las examinó bajo un microscopio electrónico de campo oscuro y las fotografió. Una vez reveladas las fotografías mostraron un hermoso hexágono cristalino parecido a un copo de nieve. Emoto tomaría entonces agua de un río contaminado, la congeló, fotografió unas gotas y comprobó que la imagen que aparecía en ellas era la de un turbio patrón sin forma reconocible, algo completamente desestructurado. A aquellos experimentos iniciales seguirían tantos que Emoto afirma poseer hoy más de 10.000 imágenes de diferentes muestras de agua. Y gracias a sus fotografías -que para él y otros muchos científicos suponen la evidencia física del poder de nuestros pensamientos- y su experiencia como experto en el estudio del agua Emoto llega a afirmar que "el agua no sólo almacena información sino también sentimientos y conciencia, reaccionando a cualquier mensaje". Y agrega: "Toda la información que alberga la estructura se hace visible cuando se fotografía una gota de agua en estado de congelación". En suma, para Masaru Emoto sus fotografías demuestran que los pensamientos, la voz y las emociones humanas pueden alterar la estructura molecular del agua. Y huelga decir que si las afirmaciones de este investigador japonés son ciertas el descubrimiento es trascendente ya que, como hemos comentado, tanto el 70% de nuestro cuerpo como el del planeta que habitamos es agua. CRISTALES DE "AGUA CONSCIENTE" Las miles de fotografías tomadas por Emoto en estos años pueden considerarse además un testimonio visualmente apreciable de las diferencias existentes entre "agua viva" y "agua muerta" o desestructurada. Así, cuando el agua está viva o se la expone a estímulos positivos muestra su estructura interna en forma de hermosos hexágonos con una variedad de presentación ilimitada. En cambio, cuando el agua está contaminada por sustancias nocivas o es expuesta a estímulos negativos su orden interno se perturba y su estructura cristalina se pierde. Lo que queda es una imagen distorsionada, deforme y sin fuerza luminosa. En el libro se pueden ver las fotografías que ilustran diferentes supuestos. Así, podemos ver que... -...el agua tomada en fuentes y arroyos de montaña forma bellas estructuras cristalinas en contraste con los cristales deformados que conforman las muestras de agua polucionada o estancada. -...las moléculas de agua expuestas a música clásica adoptan formas delicadas y simétricas muy similares a las que adoptan ante el sonido de la palabra gracias, al menos tanto en japonés como en inglés. -...cuando las muestras de agua fueron sonorizadas con música heavy metal o expuestas a palabras negativas (¡Eres tonto!) o cuando se enfocaron sobre ellas intencionadamente pensamientos o emociones negativos (grabaciones de los discursos de Adolf Hitler), el agua no sólo no formó cristales sino que en su lugar se crearon estructuras caóticas y fragmentadas. Es más, cuando se expuso el agua a la canción Heartbreak Hotel -Hotel de la tristeza- de Elvis Presley los cristales helados se partieron en dos. -...cuando el agua fue tratada con aceites florales aromáticos los cristales tendieron a imitar la forma de la flor original. Lo que parecería demostrar que el agua ha captado la información de la flor. Y otro tanto ocurre con las plantas medicinales. Un hecho que fundamenta mayormente la Homeopatía o la terapia con Flores de Bach. APLICACIONES TERAPÉUTICAS Entienda el lector que estos descubrimientos de Emoto no se quedan en una anécdota más o menos sorprendente o divertida. Antes bien, sus hallazgos -como él mismo asevera- "pueden hacer factible el descubrimiento temprano de enfermedades, incluso con anterioridad a que se manifiesten de manera física; o a que, ya en su estado avanzado, se hagan visibles en un análisis de sangre". Emoto llega considerar al agua como un ser "viviente", independientemente de si se encuentra en estado libre en la naturaleza o contenida en un organismo vivo. "Creo -afirma Emoto- que se pueden activar dentro del cuerpo humano procesos de autodepuración del agua celular de la misma forma que es posible hacerlo con el agua que está libre en la naturaleza. En ese sentido, he comprobado -tengo fotos que lo demuestran- que la más poderosa combinación de pensamientos en términos de capacidad de transformación y de sanación son 'amor' y 'gratitud'. Estas palabras y las emociones positivas que generan convierten cada una de las moléculas de agua que nos componen en una estructura hermosa y equilibrada. Por eso estoy convencido de que nuestras oraciones, meditaciones y afirmaciones ayudan a sanar." PROPIEDADES CURATIVAS En definitiva, lo descubierto por Emoto explica muchas cosas en el ámbito de la salud. Y abre muchas interrogantes nuevas. Por ejemplo, podría explicar que una persona enferme si es constantemente bombardeada con pensamientos y palabras negativas. Porque decirle a menudo a alguien -especialmente si es un niño- que es tonto, inútil o feo -entre otras críticas negativas-, ¿puede llevarle a desestructurarse físicamente? No ya que somatice lo que se le dice sino que tales expresiones puedan incidir directamente en su estructura molecular acuosa... ya que a fin de cuentas somos un 70% de agua. ¿Es posible? ¿Qué mecanismos contrarrestan eso en un ser vivo? Y, en sentido contrario, ¿puede la oración -y, por tanto, las palabras, sentimientos y pensamientos de quienes rezan- incidir en las moléculas de agua del enfermo, previsiblemente desestructuradas, y reestructurarlas? Aún más, ¿puede -quizás por el fenómeno de resonancia- reestructurarse armónicamente el agua celular de una persona si ingiere agua viva, estructurada y armónica? Las investigaciones de Emoto así lo sugieren. Desde luego, las posibilidades terapéuticas del agua empiezan a antojársenos, a la luz de lo que empezamos a saber, casi impensables. IMÁGENES Y PALABRAS Dicen que una imagen vale más que mil palabras. Y quizás su valor resida en que en ocasiones una imagen se convierte en la más simple y convincente de las pruebas. En todo caso, si duda aún de que sus pensamientos, palabras y emociones pueden realmente modelar su salud e incidir en la de quienes le rodean eche un vistazo a las fotografías que publicamos de Emoto. Laura Jimeno Muñoz ¿Quién es Masaru Emoto? Masaru Emoto nació en Yokohama (Japón) y aunque en principio estudió Arte y Comunicación Internacional se interesó pronto por el estudio del agua. Hoy tiene 60 años, edita sus propias páginas informativas sobre el agua y es un experto mundialmente reconocido en el campo de la investigación sobre ella. En Japón ya ha editado 12 libros sobre el tema, el último de los cuales lleva por título Mensajes del agua e incluye cientos de fotografías de moléculas de agua congelada. Recientemente ha fundado en Suiza el Welt Institute for Subtile Energien (Instituto Mundial para las Energías Sutiles) al que pertenecen numerosos médicos y científicos de prestigio internacional. Entre sus próximos proyectos está crear institutos de investigación sobre el agua en Holanda y en la localidad suiza de Thun. Fuente: http://www.dsalud.com/

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John Clang

John Clang, que fue parte del entrañable “5th passage artists”, y que ahora trabaja en N.Y., se ha dedicado a mutilar sus fotografias para crear nuevas perspectivas de las cosas.

En su serie Me and friends, se encarga de crear nuevas identidades y personajes a través de un collage muy simple, pero bien logrado. En Time crea multitudes, con el mismo principio, a través de un estilo de timelapse fotográfico. En Open Wound, nos invita a ir más lejos que el paisaje de la foto, abriéndonos un nuevo espacio y destrozando la pureza de esos valles y montañas, que asemejan recuerdos.



Clang ha creado una obra sorprendente en muy poco tiempo, dice proyectarse en lo que fotografia







Muy ingenioso!!!
http://www.johnclang.com/artwork/selected.html

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Anne Griffiths Belt

Claire Spooner - Now That You're Gone - Disgraceland Morphine Remix by Disgraceland




La fotógrafa Anne Griffiths Belt disfruta editando su trabajo.Cada vez que se le pregunta si quiere dar un taller o hablar en un seminario, bucea en su archivo para elejir una presentación con fotografías que le ayuden a contar su historia.
En 2005 rediseñó su página web, lo cual le proporcionó otra oportunidad para editar su trabajo.
Gracias al trabajo de organización ha descubierto seis capítulos claramente definibles en su trabajo: sus años en Oriente Medio un libro sobre conservación, historias en el Pacífico, ayuda humanitaria en más de 30 países, África y Estados Unidos, en donde reside actualmente. De cada historia que ha fotografiado guarda todas  las imágenes.
En la parte anterior del archivo guarda las escogidas; en la parte posterior están las segundonas. A medida que transcurre el tiempo, algunas imágenes relegadas en el pasado a la segunda categoria pasan al grupo de las escogidas. Esto puede suceder por varias razones: una buena fotografía no encajaba en la distribución original, o el planteamiento de una historia era diferente. Conservando los originales, Belt permite que las fotografías maduren en suvalor estético. Su archivo habla de una vida rica y múltiple gracias a su meticuloso sistema de clasificación.

El trabajo de edición de Belt no es exclusivamente para uso comercial. Edita su trabajo para la familia y para ella misma tanto como para sus cursos "Tengo un archivo en el que creo", dice. Durante sus 30 años de carrera, Belt se ha llevado a sus hijos siempre que ha podido. Los llevó con ella de viaje, y prefiero hospedarme en apartamentos y casas donde podian llevar una vida más normal.

En 2005, Belt cambió al formato digital, un cambio que sentía que debía hacer. Ahora con la ayuda de un ayudante experto en tecnología, se concentraba un día a la semana en las diapositivas que necesitaba escanear para añadirlas al grueso de su archivo digital. Con este trabajo está descubriendo nuevas formas de reunir los seis capítulos de su vida y su trabajo en un disco duro.
Y quizás en un libro :"Last Stand : America´s Virgin Land"

Fuente: Libro Guia avanzada de fotografía
National Geographic
ISBN: 9-788-4829-8387-5

Annie Griffiths Belt: MUJER CON UNA MISIÓN

Una fotógrafa veterana trata de hacer del mundo un lugar mejor a través de sus imágenes.

By Keith Bellows. National Geographic Traveler , Vol. Por Keith Bellows. Geographic, vol Viajero Nacional. 24 No. 3, April 2007. 24 No. 3, abril de 2007.

Annie Griffiths Belt es un profesional total con el comportamiento de su mejor amigo. Es, creo, lo que la hace un gran fotógrafa. Sus créditos en la publicación gama de revistas (el nuestro y otros, de la vida a Stern) para exposiciones (Nueva York, Moscú, Tokio) a los libros (su más reciente, con Barbara Kingsolver, Last Stand: America's Virgin Lands). Nacida y criada en Minnesota, ha cubierto decenas de historias de la Sociedad Geográfica Nacional desde su primera misión, en la costa norte del Lago Superior, en 1978.  Acaba de terminar un trabajo para nosotros en España y Marruecos con su esposo, Don, y sus dos hijos. Y ella está trabajando con nosotros para dar forma a un viajero Foto Seminario para ayudar a las familias se reúnen alrededor de la fotografía.

¿Cuándo te das cuenta de que quería ser fotógrafo? Tenía una asignación de clase para disparar con la luz disponible.  Yo guisado de él durante dos días y terminó en este campo de golf en St. Paul, Minnesota, al salir el sol.  Pensé: "La luz de principios y la luz de la tarde." That's as much as I knew about the subject. Eso es todo lo que sabía sobre el tema. Era otoño, y había niebla. El sol salió, y no había un árbol que se fracturó la luz en este patrón de movimiento maravilloso.  Algo cambió dentro de mí. Yo estaba tumbado en un grifo, el sistema de rociadores se fue, y yo estaba completamente empapado. De vuelta a casa en el autobús, húmedo y sucio, me sentí profundamente feliz.  Yo sabía que quería ser fotógrafo. La imagen que se está todavía en mi oficina.

¿Su filosofía de la fotografía;? Para comunicar mis fotos deben ser de utilidad, así como hermosas. Deben tener un contenido emocional que la gente entienda algo que no hacía antes. Trato de humanizar las situaciones, y yo quiero con mis fotos  hacer el mundo un poco mejor.

¿Cuál es la foto mejor consejo que has recibido? Mi primer trabajo fue en un periódico rural en una zona donde no pasó absolutamente nada. Pero para los lectores, sus vidas eran importantes y tenían que ver que se refleja en el documento. Estar interesado en las personas es una necesidad para un fotógrafo. No siento la necesidad de mantener la distancia emocional que fotografía cuando.  Esa cámara es, yo me río, lloro, y me estoy animando. El escritor John McPhee tuvo una poderosa impresión en mí porque él ha expresado lo que sentía cuando estaba en medio de la nada. Yo quería dar voz y rostro a la gente común. Yo quería iluminar los lugares que son subestimados.  Porque yo venía de un lugar como ese.

¿Los cambios técnicos en la fotografía significa que vayamos a tomar mejores fotos y más? Estamos cien veces más propensos a tomar fotografías.  Y vamos a tener un gusto más sofisticado en la fotografía. Porque vemos cómo lúdico que puede ser, vamos a sentirse cómodos con fotografías creativas.  En el pasado, las personas han sido reticentes a imágenes así.  En el experimento, cuanto más personas, más se apreciará la creatividad fotográfica.

¿Lo que vuelve loco sobre publicar fotografía? Todo el mundo está tratando de hacer fotos perfectas.  Siempre he celebrado la imperfección de la vida y en las fotografía. Con la fotografía digital, el peligro es que la gente no verá la credibilidad en las imágenes. Quiero que la gente al conocer la imagen que tomé en Mozambique, dunas de arena, que el barco pequeño, que la atmósfera es real.

¿Sí no le pagaran, viajar le seguiría gustando?   Mi madre crió cuatro hijos, diciendo: "Si alguno de ustedes se casan antes de los 30 años de edad, voy a afeitarles la cabeza. Salid y ver el mundo. "
Sin viajes, que posiblemente uno no puede tener perspectiva sobre su propia cultura.  Si no viajan, se perderán mucho.  Sería como comer sólo tres alimentos o viendo las mismas cinco películas una y otra vez.

¿ El lugar que realmente debe ver, pero no? Mongolia.  pradera soy una niña, y me encanta la luz en un terreno llano y el agua. Mongolia tiene estas llanuras increíble-he estado fascinada por ella durante años. Si se supone que debo ir a algún lugar y el viaje se cancela, siento que el mundo me debe ese lugar.  He tenido viajes a Turquía cancelados por tres veces, así que tengo que ir allí.  He trabajado en todos los estados de la Unión, pero no he estado en Yosemite o el Gran Cañón. ■ ■

Fuente

http://www.anniegriffithsbelt.com/

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Philippe Halsman

Mientras, escucha... SUPER RELAX BASS by Pleyadin

Nació el 2 de mayo de 1906 en Riga en el seno de una familia judia y estudió ingeniería en Dresde. En 1928 fue acusado públicamente de parricidio; su padre que tenía por nombre Morduch cayó y murió durante una excursión campestre en los alpes austriacos, sin embargo la gente de los alrededores no dudó en acusarlo de haber cometido asesinato, influidas por su origen judío y del antisemitismo existente y a falta de otras pruebas. Sería llevado a juicio y condenado a cuatro años de cárcel y de no ser por la presión de un destacado grupo de intelectuales, entre los que se encontraban Sigmund Freud, Thomas Mann y Albert Einstein, hubiera pasado entre rejas más tiempo de los dos años que de por sí estuvo. Después se instaló en Paris donde trabajó como fotógrafo de moda independiente y colaboró en la revista Vogue. En 1940, comenzada la Segunda Guerra Mundial y ante la inminente llegada del ejercito alemán  marchó a los Estados Unidos con ayuda de Albert Einstein, donde alcanzaría fama mundial, llegando a realizar más de cien portadas para la revista Life.^[1] En 1947 obtuvo la nacionalidad estadounidense.^[2]

Técnica y estilo

Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del "jumping style" o "jumpology", a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman.^[3] El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949  alcanzando gran éxito.^[4] No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras.

Obra

Por su cámara pasaron desde pensadores, como Albert Einstein, hasta políticos, como Richard Nixon, pasando por artistas de la talla de Marlon Brando, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Frank Sinatra o Cary Grant. Y cómo no su adorado amigo Salvador Dalí, con el que trabajó conjuntamente durante muchos años en composiciones de carácter fantástico y surrealista. Las fotografías que hiciera en 1952 a Marilyn Monroe en una pose en la que aparecía «acorralada en un rincón» alcanzaron gran difusión.^[5]
Además de su serie de saltos, entre sus trabajos más originales se encuentra una "entrevista fotográfica" al cómico francés Fernandel. Puesto que Halsman no hablaba francés y tampoco Fernandel inglés, a Halsman se le ocurrió que el cómico respondiera a una batería de preguntas sobre Estados Unidos  por medio de la expresión facial . El resultado del experimento fue una libro divertidísimo titulado The Frenchman.

Referencias

1. ↑ Jonathan Jones (21 de junio de 2009). «Culture. Alfred Hitchcock, Philippe Halsman (1963)» (en inglés). The Guardian. Consultado el 4 de diciembre de 2009.
2. ↑ Sougez, M.L.; Pérez Gallardo, H.. Diccionario de historia de la fotografía. Madrid: Ediciones Cátedra. pp. 219. ISBN 84-376-2038-4. 
3. ↑ Mary Panzer (1999). «Philippe Halsman: a retrospective» (en inglés). National Portrait Gallery. Consultado el 4 de diciembre de 2009. «When you ask a person to jump, his attention is mostly directed toward the act of jumping and the mask falls so that the real person appears».
4. ↑ Bieger-Thielemann, M.. La fotografía del siglo XX. Museum Ludwig Colonia. Colonia: Taschen GmbH. pp. 222. ISBN 978-3-8228-4082-5. 
5. ↑ Mary Panzer (1999). «Philippe Halsman: a retrospective» (en inglés). National Portrait Gallery. Consultado el 4 de diciembre de 2009. «as if she had been pushed into the corner cornered with no way to escape.».

Fuente

                                     Philippe Halsman. "Dalí Atomicus"

Uno de los ìconos de la fotografìa, estas imàgenes fueron tomadas por Philippe Halsman a Salvador Dalí en el estudio del primero, en Nueva York, de las cuales la màs reconocida , Dalì atomicus.

Tres ayudantes lanzaban los gatos al contar hasta 3, Otro lanzaba el agua, Al contar 4 Dalí saltaba. Un quinto ayudante retiraba de golpe del suelo de los muebles para que se quedasen suspendidos por un instante , Mientras tanto, la esposa de Halsman, Yvonne, sostenía la silla en el aire sujetándola por la pata que no sale en el encuadre. 30 intentos y más de 5 horas de trabajo dieron como resultado la imagen que ahora tenemos delante.
Philippe Halsman, fuè un fotógrafo Lituano, que desde muy niño con sus padres se ràdicaron en USA, muy conocido por sus retratos de personajes célebres, como Audrey Hepburn, Marilyn Monroe, Salvador Dalí, Alfred Hitchcock, Marlon Brando, Cary Grant, entre otros.

                                               

                         

                            

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Barack Obama

                                                                  © Foto de Callie Shell. Barack Obama. 2008.
...Algo curioso

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Lucia Moholy

Lucia Moholy (18 de enero de 1894, en Praga, República Checa - 17 de mayo de 1989 en Zürich, Suiza) fue una fotógrafa austriaca (de nacimiento Schulz) que estuvo casada con László Moholy-Nagy, importante profesor de la Escuela de la Bauhaus alemana. En la época que ella nació Praga era una de las ciudades más importantes y culturalmente ricas del imperio austrohúngaro.
Coincidiendo con la época de la Bauhaus en Dessau, en la que su marido fue un importante profesor y teórico, realizó dos labores fundamentales:

• Una gran labor de documentación de la vida de la Bauhaus (alumnos, profesores, obras, fiestas, etc.).
• Una supervisión técnica fotográfica importante, como persona que había trabajado previamente en el campo editorial y fotográfico. Su propio marido siempre reconoció su importantísimo papel en este ámbito (incluso estando ya divorciados).

Debido a su origen judío (ella se declaraba atea) tuvo que huir de Alemania con la llegada del nazismo y terminó trabajando en Inglaterra y en Estados Unidos. Además de desarrollar su labor en el mundo editorial también lo hizo colaborando para la ONU.
Finalmente terminaría regresando a un entorno de habla germana, en las proximidades de Zürich, en Suiza.
En cuanto a las imágenes más conocidas firmadas por ella tenemos una gran importante labor de documentación de la vida de la Bauhaus, desde la vida diaria hasta los trabajos y diseños realizados, incluyendo retratos a muchas de sus hoy importantes figuras, desde su marido hasta diseñadoras y fotógrafas como Marianne Brandt.











Retrato de Lucia Moholy-Nagy, 1928



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Florence Henri

Florence Henri

(1893 - 1982) Nueva York, E.U. 

Pintora y fotógrafa suiza nacida en Nueva York hacia 1893. Inicialmente se forma como pianista. Al morir su padre viaja a Roma para vivir con su tío Gino Gori, un poeta que apoyaba el movimiento futurista.

 Se le considera una de las figuras más interesantes e innovadoras de la fotografía del período de entreguerras. Viviendo allí, conoce a F.T. Marinetti, Luigi Russolo y a Luciano Folgore. Realiza diversos estudios artísticos, principalmente en Pintura, en la Hans Hofman School of Arts en Munich y en la Académie Moderne en París con Fernand Léger y Amedée Ozenfant.

 En 1912 se traslada a Berlín, donde abandona la música por la pintura. Comienza entonces su relación con Jean Arp y László Moholy-Nagby, asiste en Weimar a los cursos de de la Bauhaus impartidos por Kandinsky y Klee, así como a las clases de Hans Hofmann en Múnich, y trabaja como ayudante en el estudio de Archipenko, lo que le permitió entrar en contacto con la vanguadia rusa.

En 1927 ingresa a la Bauhaus, donde es influenciada por el trabajo e ideas de Laszlo Moholy-Nagy y Josef Albers. Paralelamente a su trabajo experimental –motivado en este escuela– realiza retratos de amigos artistas de la vanguardia europea como Hans Arp, Wassily Kandinsky, Robert Delaunay y Alberto Giacometti.

En París, en 1928 abandona la pintura para dedicarse de lleno a la fotografía. Comienza haciendo retratos autorretratos en el espejo y composiciones con objetos cotidianos. A partir de entonces, presenta su obra  en numerosas exposiciones internacionales.

En estos años, su fuente de ingresos fueron fundamentalmente los retratos los retratos de cliente de clase media, que realizaba con una cámara de placas de gran formato y luego retocaba cuidadosamente. Pero pronto sus trabajos comerciales se extendieron hacia la fotografía de moda y publicidad.

En 1930 celebra  su primera exposición individual en el Studio 28 de París, donde ese mismo año se había proyectado La Edad de Oro de Luis Buñuel y Salvador Dalí.

Sus composiciones, influenciadas por la tendencia constructivista, se caracterizan por el uso de espejos, planos y objetos geométricos. Henri se interesó por crear la ilusión de un espacio tridimensional, representado de manera abstracta en el plano bidimensional de la fotografía, al aprovecharse de los reflejos creados por el uso de espejos.

 A raíz de mis estancias veraniegas en Ibiza y Formentera, crea paisajes de las islas que luego incorpora como fondos a los retratos. Da comienzos a sus fotografías de desnudos femeninos superpuestos en imágenes de paisajes tomadas en diferentes lugares y épocas.

En 1937 participa en la exposición Photography 1839-1937, celebrada en el Museum Art de Nueva York, y en Photo 37, organizada por el Stedelijk Museum de Ámsterdam.

Desde 1940 se dedica fundamentalmente a pintar paisajes figurativos, que continua realizando finalizada la guerra en los períodos que pasa fuera de París. Vuelve a viajar a España en 1959, invitada por Dalí, a Cadaqués y en los tres años siguientes a Ibiza, junto a Jeanne Taffoireau con quién vive hasta los años setenta en Bellival, un pequeño pueblo de la región de Picardía.

En la última etapa de su vida se dedicó personalmente a la publicación de sus antiguas fotografías y retoma la técnica del collage en una serie de obras abstractas y geométricas  dentro del constructivismo y de las experiencias racionalistas adquiridas en su etapa de estudiante en la Bauhaus. 

Su obra fue cada vez más valorada en el contexto de las vanguardias a las luz de las nuevas revisiones y estudios del arte de los años veinte y treinta, además de ser objeto de numerosas retrospectivas en algunas de las más prestigiosas instituciones internacionales.

Por último pasa los últimos de mi vida inmóvil a causa de un accidente sufrido en 1979. Fallece en Compiegne, ciudad al norte de París, el 24 julio de 1982.

Vivió en varias capitales europeas - entre ellas Roma, Londres y Berlín - antes de instalarse definitivamente en París a mediados de la década de 1920.

En 1924 había un matrimonio de conveniencia rápida a un sirviente de la casa de Suiza a fin de facilitar su traslado a Francia. París era un ambiente ideal para Henri. There she thrived artistically. Allí prosperó artísticamente.
Al mudarse a la ciudad en 1925, Henri inscribió por primera vez en la pintura cursos en la Académie André Lhote Montparnasse, y luego a Fernand Léger y Amédée Ozenfant Moderne de la Academia. Se exploró el vocabulario formalista de la abstracción geométrica y el cubismo tardío, las tendencias que finalmente declinar su estilo fotográfico.

En el verano de 1927,  viajó a la Bauhaus en Dessau, donde visitó a su amiga Margarete Schall y tomó varios cursos en la pintura. Sin embargo, ella había crecido un poco cansados de la pintura y fue inspirado por el fervor fotográfico de László Moholy-Nagy y su esposa Lucia Moholy, comenzó a experimentar con una cámara lo que lanzó su carrera fotográfica.

A su regreso a París, Henri comenzó a tomar retratos, autorretratos y naturalezas muertas con espejos insertado, una estrategia que sirve para interrumpir drásticamente sus composiciones y desorientar al espectador.
El espejo se convirtió rara vez se hace las naturalezas muertas sin ellos.
Cuando la Gran Depresión de la década de 1930 poner una tensión en sus ingresos, Henri abrió un estudio fotográfico de gran éxito.
Para complementar sus finanzas, aceptó los proyectos de publicidad y alumnos formados. Ella siguió haciendo y exhibiendo la obra artística, experimentando con muchos de los movimientos de vanguardia y tendencias del período de entreguerras, como la abstracción, el surrealismo, y la nueva visión.

Sin embargo, ningún programa artístico solo pudo contener su imaginación transgresora, y se abstuvo de prometer una lealtad permanente a cualquiera de ellos.
Aunque nunca reconoció públicamente su preferencia sexual, la bisexualidad de Henri fue confirmada después de su muerte en las entrevistas con sus amigos.
Al parecer, su relación más importante y duradera fue con su colega artista y modelo ocasional, Margarete Schall, con quien vivía en París.

Aunque ella siempre insistía en que sus imágenes eran ejercicios meramente formalista y no debe ser analizado por el contenido, Henri tenia un único medio de abordar el género y la sexualidad en su fotografía. Sus numerosos autorretratos, por ejemplo, demostrar cómo hizo hincapié en la mujer-dad a un punto casi teatral.

Con su corte de pelo se balanceaba, el maquillaje dramático y sentido de la moda de fantasía, en estos retratos de Henri se puede leer como el prototipo de neue Frau (nueva mujer) - una persona que abrazó la modernidad para cuestionar los roles de género tradicionales, sin anular la noción de la diferencia de género.  En lugar de desafiar los códigos binarios de género a través de travestismo (al igual que sus contemporáneos Marcel Duchamp y Claude Cahun)
La maleable identidad sexual de Henri se ha manifestado en sus fotografías, lo que demuestra no sólo su apariencia distintivamente moderna, sino que incluyen referencias en la composición de la naturaleza construida de género. Este aspecto de la fotografía es más inmediatamente visible en su imagen más conocida, un autorretrato de 1928 en la que aparece en un espejo largo, vertical con dos bolas metálicas en su base. La composición  ha dado múltiples interpretaciones por los historiadores de arte diversas, algunos lo ven como inequívocamente fálica, mientras que otros puntos a la naturaleza vaginal de profundidad del espejo y la apariencia de seno, de las bolas metálicas.

Una parte importante de la obra de Henri está compuesta de retratos de mujeres jóvenes, muchos de los cuales fueron sus alumnas. Sus retratos de algunos de los hombres tienden a representar a sus amigos artistas masculinos, como Léger, Wassily Kandinsky, y Robert Delaunay . Esto da discrepancia en propia atracción de Henri a las mujeres, mientras que las mujeres podrían ser temas de interés (o deseo) de por sí, el atractivo de los hombres depende de su importancia como artistas.  La sexualidad de Henri puede ser aún más un factor en el éxito de sus desnudos femeninos atractivos. Estas composiciones son indiscutiblemente la figura erótica, y dar un giro en muchos reclinables de la historia del arte de figuras desnudas y mujeres en reposo.

En una imagen tal, la cabeza y el pecho de un modelo aparece tumbado en una manta, la textura y los pliegues de las cuales están destinadas a ser leídas como una cama de arena.
Esta ilusión se ve reforzada por unos cuantos accesorios inserta, como una concha y un manojo de hierba que se asoma desde la esquina inferior izquierda de la fotografía.  La forma evocadora y la colocación de la concha puede ser fácilmente interpretada como un símbolo vaginal. Por otra parte, la mujer a la baja-volvió la mirada se dirige directamente a la concha, un detalle que plantea para esta imagen debe interpretarse como una alegoría del deseo lesbiano.

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Ilse Bing

Escucha... Relax1 by jayceee

1899-1995

Una de sus más célebres fotografías es el autorretrato realizado con su Leica en 1931, que la hacía aparecer de frente y de perfil, gracias a un espejo.

Impresionada por una exposición de Florence Henri, se trasladó a París en 1930. Allí trabajó primeramente para el periodista H. Guttmann antes de establecerse por su cuenta en 1931 y realizar fotos de reportaje y arquitectura, pero también de moda y publicidad para Vu, Arts et Métiers Graphiques y Le Monde. Más tarde, sus fotografías ingresarían también a Vogue y Harper´s Bazaar.

En 1941 emigra a Estados Unidos y en 1957 comenzó a trabajar exclusivamente con color, pero realizando ella misma todas sus copias. En 1993 un accidente automovilístico la obligó a suspender casi completamente su trabajo y sus viajes por el mundo y a recluirse los dos últimos años de su vida en su domicilio neoyorquino.
Ella creció en una familia donde las artes y las ciencias fueron veneradas. Conocida en Europa y Nueva York en los años 1930 y 40 como "La Reina del Leica," su poesía y sus imágenes son eternas

 
Ilse Bing, Gold lame shooes for harpers bazaar, 1935

                                                           the invisible has to be pictured

the unspeakable has to be said

the unthinkable has to be dreamed

the intangible has to be held tight

but do not touch it with your finger

 Lo indecible,

tiene que ser dicho.

Lo inconcebible,

tiene que ser soñado.

Lo intangible,

tiene que ser sostenido con firmeza,

pero no lo toques con tus dedos.

16 de julio de 1982

Algunos de los poemas que se incluyen en este tributo a Ilse eran de una colección de poemas titulados: Fotografías sin una Cámara, que fue publicada por sus amigos y admiradores para celebrar el nonagésimo cumpleaños de la poeta.

Ilse Bing escribió en la introducción de su libro: "ILSE BING 1929/1955, MUJERES de la cuna a la vejez."

"Llegar a los 90 años es apenas otro día en esforzarse para subir la escalera infinita de nuestros sueños."

Porque me duele, me río.

Porque estoy cansado, me despierto.

Porque dudo, investigo.

Porque tengo miedo, me atrevo.

Porque creo, pregunto."

10 de Julio de 1986
Ilse Bing

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Bill Brant

Bill Brandt nació en Hamburgo ( Alemania ) en 1904, su padre era británico y su madre alemana.
Pasó la mayor parte de su vida en Inglaterra, por lo que se le considera un fotógrafo inglés.

Comienza su carrera fotográfica en París en 1929, cuando un amigo común le presenta a Man Ray, de quien se convierte en ayudante durante unos meses.
Es influenciado, en consecuencia, por los surrealistas.
En sus primeras fotografías se aprecia la influencia de André Kertész y de Eugène Atget.

Vuelve a Londres al comienzo de los años 30 y trabaja como free-lander para diferentes revistas.

Sus primeros trabajos son de fotoperiodismo, así en su primer libro " The English at Home " ( 1936 ), hace un análisis de la estructura social de los británicos, mostrando las diferencias sociales, las deprimentes condiciones de vidas de unas personas en contraste con las imágenes de la aristocracia inglesa.
Al igual, en su segundo libro " A Nigth in London " ( 1938 ), siguiendo los pasos de Brassaï en su libro " Paris de nuit " ( 1933 ), hace una aproximación a las situaciones sociales de Londres, pero en esta ocasión se va dejando llevar por cierto aire de nostalgia.

Al final de los años 30, refleja con su cámara la condiciones de vida de los mineros del norte de Inglaterra, afectados por el paro.

Durante los años de la II Guerra Mundial, trabaja como fógrafo para el Gobierno, mostrando la vida de los londinenses en el metro durante los bombardeos nocturnos.

Después de la guerra su estilo cambia rotundamente, deja progresivamente el reportaje, y comienza a fotografiar desnudos, retratos y paisajes.

En este nuevo camino, y en especial en los desnudos, es donde el fotógrafo consigue una mayor personalidad, vuelve a sus orígenes ( el surrealismo ) y en sus imágenes se mezcla la fantasía y la realidad.
Bill Brandt se convierte en el creador, el director de escena de sus imágenes, es como un director de cine ( recibió una gran influencia de directores como Orson Welles y Alfred Hitchcock ).
Las fotografías de esta época, están impregnadas de misterio.

En 1945, Brandt comienza a concentrarse en la investigación de las formas femeninas ( el desnudo ), utilizando para ello un gran angular que produce distorsiones en las imágenes, consiguiendo con este trabajo uno de los mayores logros en el desnudo femenino del siglo veinte.

Bill Brandt falleció el 20 de Diciembre del 1983.

Según sus palabras: " Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultadas receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez ".

"Fue así como descubrí que la atmósfera era el hechizo que impregnaba de belleza lo cotidiano. Y aun así no estoy seguro de qué es la atmósfera. Me sería muy difícil definirla. Sólo sé que es una combinación de elementos,quizás descritos más simple y inadecuadamente en términos técnicos de luz y ángulos, que muestra el sujeto fotografíado como algo familiar y a la vez extraño."

BILL BRANT
1948

 

http://www.billbrandt.com/Shop/printshop.html
http://www.elangelcaido.org/fotografos/fotografos.html

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